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'Føroyar' von Kevin Faingnaert - eine Reportage über das Leben auf den Färöer-Inseln, mit beeindruckenden Landschaftsaufnahmen und einfühlsamen Porträts. Gewinner des Zeiss Photography Awards 2017

Mit imposanten Landschaften und starken Porträts bringt uns Kevin Faingnaert die Faröer Inseln und ihre Bewohner auf eindringliche Weise näher. Der mehrfach ausgezeichnete belgische Portrait- und Reportage Fotograf dokumentierte über mehrere Wochen für 'Føroyar' den Alltag einer Dorfgemeinschaft auf den dünn besiedelten und kargen Inseln zwischen Schottland und Island. Mit seiner Fotoserie setzte er sich gegen mehr als 4600 Fotografen aus 130 Ländern bei den Zeiss Photography Awards durch, der in diesem Jahr unter dem Thema "Bedeutungsvolle Orte" stand und Ende April in London vergeben wurde.

"Wer sich dann die unerbittliche, wilde Umgebung anschaut, versteht, dass es sich um gewöhnliche Menschen handelt, die unter außergewöhnlichen Bedingungen leben, die sich festklammern am Ende der Welt“, so Jury-Mitglied Claire Richardson, Bildredakteurin beim Lonely Planet.

"Føroyar is a series about life in remote and sparsely populated villages on the Faroe Islands, an archipelago in the middle of the North Atlantic, halfway between Scotland and Iceland. In February 2016 I immersed myself within the Faroese community, I couch-surfed and hitch-hiked my way across the islands, finding doors opening to me everywhere I went. Here, across swathes of snow-veiled landscapes and bordered by dramatic coastline, villages are slowly dropping into decline as more and more of their inhabitants are emigrating from the islands in pursuit of greater opportunities. Though at times lonely and perpetually freezing, I learned to appreciate the small, simple comforts of life listening to stories told in the welcoming warmth of Faroese homes, the sound of songs against the roaring backdrop of the sea, and my memorable encounter with a message-in-a-bottle collector on the beach. In these clear and pristine landscapes, where villages with populations as low as ten huddle together on the edge of cliffs, I tried to reveal a community hanging on firmly to their roots and traditions, while underlining that one day these villages must inevitably disappear." Hintergrund Infos gibt der Belgier in einem Interview Feautureshoot, weitere Reportagen von Kevin Faingnaert auf dessen Webseite.
24.05.2017 // show complete article

GoSee Tipp : NAMSA LEUBA zeichnet mit 'Ya Kala Ben' und 'The Kingdom of Mountains' ein erfrischend anderes Bild afrikanischer Kultur

Die 1982 geborene Schweiz-Afrikanerin Namsa Leuba, die an der renommierten ECAL (Kantonale Hochschule für Kunst und Design) in Lausanne studierte, beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit afrikanischer Identität, gesehen durch westliche Augen. 2010 wurde sie mit dem ersten Preis der Jury des Fotografie-Festivals Planche(s) Contact of Deauville (CH) unter Vorsitz von Bettina Rheims ausgezeichnet, beim Mode- und Fotografie-Festival in Hyères erhielt sie 2012 den „Photo Global“-Preis. Aktuell sind ihre beiden Serien  “Ya Kala Ben” (2011) und “The Kingdom of Mountains” (2014) in der Pariser In Camera Galerie zu sehen. Einen Einblick hier bei GoSee, weitere inspirierende Arbeiten gibt es auf ihrer Seite.

"In this series Namsa produces what she call an “intervention” on the models and on their typical clothes. She tried to change the classic perception of the West for the African culture. The persistent fascination for African cosmogony emerges in this series through the construction and deconstruction of the human body that is set up in unidentifiable locations and with different kind of objects. Namsa recreates and assembles shapes, colors, objects and anachronistic clothes, obtaining a visual construction that may not have a lucid order. The space is transformed through the camera and by Namsa’s imagination."

Namsa Leuba’s diverse photographic practice examines the representation of African identity through the Western imagination. Spanning documentary, fashion and performance, Namsa Leuba creates a visual imaginary that explores the signs and symbols of her cultural heritage, from rituals and ceremonies to statuettes and masquerades. Whether executed on location in the artist’s ancestral hometown of Guinea or in the constructed studio environment, Leuba’s projects combine an anthropological interest in traditional customs with an aesthetic that is informed by fashion and design sensibilities. Adopting a theatrical approach with careful attention to props, colors and gestures, Namsa Leuba questions the relationship between fact and fiction, action and representation, and the sacred and the profane.

Namsa Leuba (Switzerland, b. 1982) studied photography at ECAL, University of Art and Design Lausanne, and obtained a Masters in Art Direction at ECAL. Her work has been published in numerous magazines, including I-D, Numéro, KALEIDOSCOPE, Foam, Interview, Vice Magazine, New York Magazine, Wallpaper, Libération, British Journal of Photography, and European Photography. In 2010, Leuba won First Prize at the Planches Contact Festival in Deauville, France. In 2012, Leuba was awarded the PhotoGlobal Prize at the Photography Festival in Hyères. She was the winner of the Magenta Foundation Flash Forward Festival in 2013. Namsa Leuba has participated in recent exhibitions including Photoquai in Paris, France; Making Africa: A Continent of Contemporary Design at the Guggenheim Bilbao, Spain; Nataal: New African Photography at Redhook Labs, Brooklyn; Africa Reframed in Copenhagen, Denmark; Daegu Photo Biennale in Daegu, Korea; the Athens Photo Festival in Athens, Greece, and a performance in Off Print at the Tate Modern, London. Her work is included in prestigious private collections including the Swiss Foundation for Photography and the Tang Museum (New York). Leuba’s first large scale solo exhibition, Ethnomodern, was held at Art Twenty One in Lagos in 2016. Leuba lives and works between Africa and Europe.

NAMSA LEUBA, IN CAMERA, 21 rue Las Cases, 75007 Paris, www.incamera.fr
24.05.2017 // show complete article

'Western and Eastern Light' von Magnum-Fotograf Harry Gruyaert in der New Yorker Michael Hoppen Gallery, zu sehen vom 09 Mai - 27 Juni 2017

‘Western and Eastern Light’ ist die erste Ausstellung des belgischen Fotografen Harry Gruyaert in der New Yorker Michael Hoppen Gallery. Harry Gruyaert ist seines Zeichens Magnum Fotograf und reiste in den letzten 30 Jahren fotografierend durch ganz Europa, Nordafrikam den Mittleren Osten und Amerika - oftmals ganz einfach unterwegs auf der Strasse mit seinem Volkswagen Kombi.

"He was one of the first European photographers to take advantage of the creative potential of colour photography, following in the footsteps of great American colourists such as William Eggleston and Stephen Shore." so die Michael Hoppen Gallery über Harry Gruyaert und führt aus : "Heavily influenced by the emergence of the Pop Art Movement in New York, Gruyaert has been a pioneer in the use of colour as a means of expression in photography. His filmic, jewel hued scenes have become something of a trademark, at times suspended in a flurry of movement, and at others thick with suspense. His dense compositions weave together a fabric of elements; texture, light, colour and architecture to create tableaux."

Die Ausstellung zeigt Euch einen Überblick über Harry'sweitgespannten Bilderkosmos, von den Landschaften Marokkos bis zu den Strasen Moskaus "and in doing so highlights the artist’s ability to “photograph the subtle chromatic vibrations of Western and Eastern Light.” zitieren wir sehr gerne aus dem Pressetext.
11.05.2017 // show complete article